「贫穷艺术」到底是什么？

作为观念艺术的一个流派，「贫穷艺术」的概念由意大利艺术评论家切兰Germano Celant于1967年提出。

贫穷艺术并不简单的等同于艺术的贫穷，虽然贫穷艺术在作品创作的材料选择上显得十分廉价，朴素，并时常的应用废弃物，如树枝，金属，玻璃，织布，石头等等。

但贫穷的概念更多的却是体现在艺术的方法论和观点上

反对传统创作方式

不去注重个人的风格，涉猎题材广泛而丰富

虽然贫穷艺术的辉煌仅仅只是停留在1967年到1977年间这短暂的十年，但是它与同时期诞生在日本的「物派」艺术遥相呼应，对日后的许多艺术流派留下了深刻的影响，并且拓宽了艺术自身的范围。

在贫穷艺术的身上，我们可以看到农业文明与工业文明时代的结合，以及在大环境中人自身的精神矛盾。

贫穷并非贫苦，且「贫穷艺术」诞生于意大利的「黄金时代」。

它冲破了传统的“高雅”艺术束缚，重新界定了艺术语言和观念，再次塑造了艺术现状和图式，坚持艺术应该是被生活本身所取代。

这与20世纪50年代主导欧洲艺术的现代主义抽象绘画形成了鲜明的反差。

而其目的则是为了挑战和打破商业化当代画廊的价值体系，重回简单，拒绝复杂符号，使每天都有意义。

「贫穷艺术」与「空间」的概念紧密相连。

上世纪60年代，在欧洲整体外在经济繁荣的大环境之下，工业文明迅速攻占了欧洲大部分国家。

意大利也正值其经济发展的黄金时期，但商品和物质的极大丰富满足人们社会生活的同时，也使其开始出现了精神领域的空虚，并对消费主义和文化产生了怀疑。

“革命就是诗，在打碎组织体系的一切活动中都有诗”

消除了阶级性，才能够更好的去反映真实的艺术家内心世界。

日常中的材料，在不断进行的位置转换中，以嫁接的方式制造一种新的情境感，从而增加趣味。

而「空间」的应用，则是贫穷艺术中的一个关键点。

艺术家们通过原始的素材，去探究物质与空间的联系。

生活的寻常之处已经逐渐渗透在艺术的体系之中，无意义成为了一种常态。

这种表现方式创建了新的感官刺激。

雅尼斯-库奈里斯作为贫穷艺术主义中最重要的概念艺术家，作品体现着朴素，自然，人性的美学原则。

“我想以所有的手段，以实践、观察、孤独、语词、图像、令人讨厌之物回归诗歌。”

在他的系列作品中，不断的强调着不安与焦虑的时代特征，并将自己的艺术家身份放置在新历史背景中去。主题则是在一直围绕着「图像」与「材料」——使用自己的“材料词典”阐述他的作品意义。

同理，在作品集前期的制作过程中，重点也正是「主题化的观念意识」。

只有在碎片化的灵感收集中汲取到一个恒定的艺术观点，才能去支撑接下来的阶段性创作基础。

素材的选取，可以是多方位的，但主题性却必须拥有着鲜明的个人色彩。

一个好的作品集，只有一直围绕着「主题」去创作，才会具备连贯性和概念性，展示出你整个的创作思考过程。

这也正是原创性与个人化的最重要的表达途径。

艺术史的进程中，流派层出不穷，并且每个流派都具备风格化和典型性的标签，这也从侧面向我们反映出一个重要的讯息来，即是「系列化的个人艺术风格」构建着「作品集本身」。

所以作品集的好坏，从一开始入手时所确立的主题和意识就可以窥得全貌。

确立主题，无论是作品的创作，还是作品集的制作，都是当仁不让的重中之重。

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